Multitudo Associazione Culturale

mercoledì 20 gennaio 2010

urbe recondita

Urbe Recondita

Un viaggio attraverso gli antichi misteri di Roma

tour ideato dal dott.Damiano Tullio

L’associazione culturale “Multitudo” nata con il fine di sviluppare la conoscenza in ambito antropologico e storico artistico, propone un percorso didattico attraverso la Roma sconosciuta, vernacolare, arcaica e misteriosa.

Da sempre Roma, centro di un fiorente impero, è stata il crocevia di culture differenti che negli stretti vicoli e nei fori si sono mescolate dando vita ad un’eccezionale sincretismo religioso e culturale. Qui, nel cuore dell’occidente antico, si professavano culti misteriosi

provenienti dall’oriente e al contempo sopravvivevano usanze autoctone legate ad un passato ancestrale e primitivo.

I secoli, susseguendosi, hanno lentamente occultato l’aura mistica ed esoterica di questa mescolanza tradizioni, mostrando di Roma soltanto il suo chiaro volto di città augustea, medioevale, barocca e papalina.

Numerosi di questi usi e costumi tuttavia sono sopravvissuti e si sono manifestati sia attraverso pratiche culturali e devozionali che nell’architettura e nell’arte.

“Urbe Recondita” è il tema di questa visita guidata, che propone la riscoperta di tradizioni appartenenti ad una cultura arcaica rivalorizzate soltanto dalla seconda metà del novecento, pratiche rituali ed antiche suggestioni che destarono interesse anche in alcuni intellettuali fra cui Bernini, Caravaggio, Cagliostro e molti altri che saranno in parte protagonisti di questo viaggio della città nascosta.

All’interno di questo percorso coinvolgente ed avventuroso i fruitori potranno visitare il volto sconosciuto di Roma, attraverso un percorso guidato curato da antropologi e storici dell’arte, che illustreranno le peculiarità artistiche e socioculturali di una città celata agli occhi della “Cultura” ufficiale, ma così viva e ricca di fascino.

L’eccezionale ricchezza di luoghi di interesse dal punto di vista

“esoterico e misterioso” nel cuore della città eterna ha reso assai difficile la selezione delle più significative tappe di questo tour, tuttavia è stato possibile creare un vero e proprio percorso tematico che si articolasse attraverso i luoghi e soprattutto i secoli. Il tour tematico si snoderà lungo un percorso pedonale dove verranno selezionate delle tappe essenziali in cui verranno approfondite le tematiche antropologiche e storico artistiche riguardanti i singoli siti.

● Meeting Point -Visita alla chiesa neogotica Sacro Cuore Del Suffragio e la raccolta di apparizioni delle anime dei “Purganti”

testimoniate dalle misteriose “Mani di Fuoco”.

● Ponte Castel Sant’Angelo, secondo la legenda ospita il fantasma di Beatrice Cenci e ogni primo venerdì del mese accoglie un dibattito fra le anime celestiali e San Michele.

● Maria Santissima dell’ Orazione e della Morte, la sua cripta e la storia della Confraternita dell’ Orazione e della Morte.

● La statua di Giordano Bruno e la sua storia

● Piazza Pasquino, la statua parlante

● Gli obelischi: la fontana dei quattro fiumi, l’obelisco della minerva, l’obelisco del Pantheon

● Il Pantheon e i suoi diavoli

● Piazza Pietra e la Pietra di Orlando, monolite legato ad usanze ed antiche leggende romane legate alla figura del celebre paladino.

● Fontana del Tritone di Bernini, il misterioso legame fra l’artista e la famiglia Barberini

●Santa Maria della Conciliazione e la suggestiva Cripta dei Cappuccini, il tema della morte nel medio evo e nell’era moderna a Roma.

Prenotazioni

Le visite organizzate su prenotazione possono essere effettuate tutti I giorni della

settimana. Il prezzo di partecipazione per ogni singolo visitatore è di 40 euro, nel costo complessivo sono inclusi i ticket di ingresso relativi alle strutture che verranno visitate.

Contatti

WEB: http://romamisteriosa.wordpress.com

Mail: damianotullio@yahoo.it

Mob: 348 38 36 933

Mysterious Rome

Multitudo is a cultural association born with the purpose of increasinganthropological

and artistic knowledge, with this project we suggest you a guided trail into the

mysterious and archaic side of Rome.

As the centre of a booming empire, Rome had always been the crossroads of different cultures which, coexisting in the narrow streets and in the roman forum, had mixed together originating a unique religious and cultural syncretism. Here,in the heart of the ancient west, old and mysterious cults coming from the east were professed, and, in the meantime, native traditions, belonging to a primitive and ancestral past, still survived.

The time passing by slowly hid the mystic and esoteric aura of these mix of customs, showing only the bright face of Rome, as an Augustan, medieval and papal city. This image, using concealed ways, has allowed to preserve in the architecture, the art and the consciousness of the people, the devotion towards everything linked to the past with a magic and mysterious relationship.

“Secret Rome” is the main theme of this tour, which intends to rediscover the religious practises and ancient suggestions which aroused the attention of several intellectuals,

such as Bernini, Caravaggio and Cagliostro, protagonists of this journey in the secret city.

Anthropologists and Art historians will guide you in this adventurous and gripping path inside the unknown alleys of the “Urbe”, and they will show you different analysis of the matter, from the social and cultural point of view, about the religion and the folklore, and from the artistic and the iconographic point of view.

The exceptional abundance of interesting esoteric places right in the heart of the city, made the selection of the stops very difficult, but it was possible to create a complete and proper itinerary throughout places and centuries.

Plan of the Tour

* Meeting point: Sacro cuore del suffragio Church and Museum of Souls in Purgatory
* Castel Sant’Angelo: as the story goes every first Friday of the month San
* Michele and the heavenly souls appear on the bridge with the ghost of Beatrice Cenci.
* Maria Santissima dell’Orazione e della Morte The Crypt and the story of the Confraternita dell’Orazione e Morte
* Giordano Bruno’s Statue.
* Pasquino The talking statue
* Magic Obelisks: Fontana dei Quattro fiumi , Minerva and Pantheon Obelisks
* Pantheon and his devils

* Piazza di Pietra and Orlando’s Stone: monolith tied to ancient legends and believes about the notable paladin.

* Piazza Barberini, Fontana del Tritone and Fontana delle Api By Gian Lorenzo
* Bernini: the mysterious relationship between the artist and Barberini’s family.
* Santa Maria della Conciliazione and the Crypt of the Cappuccini: Death in the
* medieval and modern Rome.

Fees and info

The price is 45€ for each participant including all the entrance tickets for the museums and monuments of the guided tour. The tour take place everyday, from 10:00 am to 4:00 pm, reservation required.

Contacts

WEB: http://romamisteriosa.wordpress.com

Mail: damianotullio@yahoo.it

CHI SIAMO

“Utrum rerum multitudo et distinctio sit a Deo”

MULTITUDO è una Associazione Culturale fondata da antropologi, artisti e storici dell'arte, nata con il fine di promuovere l'arte e la cultura in tutte le sue forme, opera sul territorio nazionale realizzando pubblicazioni, ricerche, workshops, laboratori didattici e organizzando visite guidate, tour tematici ed esposizioni

Siamo sempre alla ricerca di nuove adesioni per ampliare il nostro spazio collaborativo in cui condividere opinioni, saperi ed esperienze.

Secondo comprovate teorie antropologiche l'essere umano a differenza degli altri esseri viventi che sono organismi naturali è composto da un'elemento fondamantale diversificato ovvero il concetto di "cultura", grazie o a causa di esso l'uomo si distacca dagli organismi biologici diventando organismo biologico-culturale poichè non vive di semplice istinto innato ma si sustenta attraverso l'apprendimento.

Proprio riprendendo il tanto dibattuto concetto di "MULTITUDO" utilizzato in filosofia, semiotica ed arte la nostra Associazione opera sul territorio, favorendo una serie di attività che tendono ad acuire e sviluppare la conoscienza del singolo individuo.

Sono attualmente aperte le iscrizioni per corsi di:

Antropologia Culturale ,Storia dell'Arte, Disegno, Pittura, Scultura.

Workshop in:

Antropologia Visiva (realizzazione di reportages e documentari), Etnografia, Organizzazione eventi di arte contemporanea.

Visite Guidate

Roma Misteriosa, Percorsi avventurosi Outdoor.

CONTATTI

mail: damianotullio@yahoo.it

tel: 3483836933

facebook: Multitudo Associazione Culturale

Analisi Antropologica dell'arte nativa della Costa Nord Pacifica degli USA

1.Cenni etnografici e storici della costa Nord Pacifica

L'area del Nord Ovest rappresenta il limes culturale e territoriale delle popolazioni amerindiane, una sorta di ponte fra il continente americano e quello asiatico che si estende dalla California nordoccidentale fino all' Alaska sudorientale.

Quest'area geografica è caratterizzata dagli insediamenti marittimi situati lungo le coste frastagliate e sulle isole che garantivano ai nativi i benefici climatici di un peculiare ecosistema ricco di risorse e la sovrabbondanza di provvigioni alimentari, soprattutto grazie alla pesca del salmone, dell'halibut, dell'olachen e delle aringhe.

La macroarea del Nord Ovest è ulteriormente divisa in tre subraree minori: quella settentronale era caratterizzata dai domini dei Tlingit, dagli Haida e dagli Tsimshian.

Nell'area centrale risiedevano i Salish e i Kwakiutl, mentre l'area meridionale otre la presenza dei Salish Costieri e dei Chinook erano presenti anche gruppi Athabaska Hupa, Macro-Algonchini Yurok e Wiyot. Queste naturali sovrapposizioni culturali tipiche delle aree di confine diedero vita a fitti scambi commerciali e a pidgin linguistici, sebbene i nativi delle aree di confine fossero culturalmente molto diversi dai lor vicini settentrionali soprattutto in ambito tecnologico, artistico ed architettonico.

I caratteri culturali tipici del Nord Ovest sono identificabili soprattutto negli insediamenti delle aree centrali e settentrionali, dove il valore attribuito al simbolismo araldico e mitologico assume una valenza fondamentale nella vita sociale dei singoli gruppi e soprattutto nella produzione materiale.

Questa attenta e costante rappresentazione di elementi simbolici legati ai lignaggi (soprattutto in ambito artistico) appare necessaria in società come i chiefdoms di questo tipo in cui l'affermazione del rango assume un ruolo centrale in tutte le attività sociali e religiose caratterizzate spesso da sodalizi intertribali e rituali come il potlatch e le cerimonie delle Società Segrete.

Di questa complessa vita sociale ne sono testimonianza anche i maestosi insediamenti costieri dove venivano eretti pali totemici di dimensioni considerevoli e le grosse case quadrangolari con i tetti spioventi erano decorate all'esterno e all'interno con le insegne dei clan ai quali le famiglie residenti appartenevano.

L'importanza attribuita alle immagini araldiche ovviamente occupa un suo ruolo specifico non solo nell'affermazione del rango e nell'esercizio del potere: esse hanno una valenza soprattutto in ambito religioso-rituale dove le diverse casate sono rappresentate da un animale, un antenato clanico spesso impersonato con dei travestimenti e delle maschere rituali per assurgere un ruolo fondamentale in cerimonie, danze, narrazioni mitopoietiche e distribuzioni di beni.

Questa vitalità sociale ed artistica è sopravvissuta nonostante le continue contaminazioni culturali da parte dei coloni russi, europei ed americani, che a differenza di molti altri casi del Nord America, invece di innescare momenti di crisi e perdita dei valori tradizionali, diedero vita a floridi rapporti commerciali nel mercato delle pellicce e dell'arte (soprattutto nella produzione di riproduzioni in argillite).

Nonostante questi benefici tuttavia occorre ricordare che i coloni occidentali furono la causa della diffusione di numerose epidemie di morbillo e vaiolo che decimarono l'intera popolazione. I missionari, inoltre, furono promotori di una politica governativa che mirava al divieto di pratiche cerimoniali come il potlatch, una legge che tuttavia venne abrogata nel 1951 e che non destò mai i risultati coercitivi sperati dalle istituzioni, anzi sembrerebbe che l'assenza di cerimonie e potlatch durante gli anni della depressione fosse una mera conseguenza della crisi economica e alla relativa mancanza di beni di scambio da elargire durante i rituali.

Secondo queste dinamiche storiche tutte le etnie del Nord Ovest non abbandonarono mai le complesse pratiche rituali basate sul lignaggio, anzi l'arte araldica ebbe il suo massimo sviluppo proprio durante il periodo della colonizzazione, probabilmente la richiesta del mercato souverinistico (Graburn) fu una delle pulsioni per cui l'arte in alcuni casi perse la sua componente simbolica e acquistando una finalità remunerativa. La diffusione ad un mercato non nativo contribuì allo sviluppo su larga scala della richiesta di beni artistici che portò conseguentemente all'affermazione dell'identità dei singoli autori, primo fra tutti Charles Edenshaw che cui opere furono le prime a destare un interesse non soltanto dal punto di vista etnografico ma anche estetico comprovato dall'apprezzamento da parte del mercato dell'arte contemporanea occidentale.

2.Elementi stilistici dell'arte Nativa

Fin dai primi contatti con i colonizzatori l'area del Nord Ovest fu oggetto di attenzione e curiosità da parte dei cronisti, quando James Cook si trovò nel 1778 sulle coste occidentali dell'isola di Vancouver rimase profondamente stupito dalla visione di un villaggio tipico caratterizzato dalla imponenza dei pali totemici e dalla qualità architettonica delle case decorate con insegne araldiche che risultavano all'osservatore come << ...nell'insieme figure mostruose >> (Nabokov & Easton).

Questa peculiarità della produzione artistica nativa ovviamente suscitò la stessa curiosità presso antropologi come Boas, Newcombe, Swanton, Adam, Barbeau, Emmons, Holm molti altri che si trovarono a studiare le popolazioni di quest'area in epoche successive. Uno dei contributi fondamentali viene da Franz Boas che in “Primitive Art” avvalendosi del contributo dell'artista Edenshaw cercò di approfondire e codificare le linee guida formali, estetiche e simboliche dell'arte nativa della costa Nord Pacifica

L'arte del Nord Ovest può essere definita come in molti altri casi nativi come un'arte di gender poiché in ambito tradizionale la scultura, la pittura e l'oreficeria assumevano un ruolo prettamente simbolico ed erano riservate ad una produzione maschile, in lingua Haida i maestri di queste attività erano chiamati stanlaas “abile con le mani” .Mentre il ricamo e l'intreccio avevano un semplice valore decorativo ed erano attività riservate alle donne fatta eccezione per i mantelli e i cappelli destinati ad un uso cerimoniale.

Occorre tuttavia ricordare a questo proposito che in epoca contemporanea l'arte femminile ha assistito ad una forte valorizzazione ed alcune di queste esponenti si cimentano nella realizzazione di impianti lignei ed installazioni di dimensioni considerevoli.

Purtroppo fino all'affermazione di grandi nomi come Edenshaw abbiamo pochissime testimonianze riguardanti i singoli autori poiché l'osservatore occidentale fino alla seconda metà del secolo scorso ha sempre catalogato queste forme di arte come associabili non ad un singolo autore considerato come “anonimo” data la sua atemporalità (Bill Horn) esse erano piuttosto riconducibili ad una tipica rappresentazione estetica di un dato gruppo etnico; questa osservazione può essere riferita non solo all'arte del Nord Ovest, ma ad ogni prodotto dell'arte “etnografica”.

Caratteristiche formali

L'arte della costa Nord Pacifica è caratterizzata da una estrema attenzione verso la codificazione degli elementi simbolici dei soggetti ricorrentemente rappresentati e per un relativo, se non assente, desiderio di realismo dimensionale e prospettico, sebbene esistano alcuni esempi che testimoniano la capacità tecnica di questi artisti di riprodurre raffigurazioni estremamente realistiche (fig 1, fig 2).

1. elmo tlingit 2. maschera tlingit

Alla mancanza di realismo si sostituisce la stigmatizzazione di alcuni tratti distintivi come la ricorrente sproporzione anatomica caratterizzata da grosse teste e corpi di dimensioni considerevolmente ridotte, sopracciglia, occhi, becchi, pinne e bocche dalla straordinaria ampiezza, tipici dei singoli personaggi appartenenti al patrimonio mitologico e araldico del panteon nordoccidentale.

Ad un osservatore inesperto risulterà assai difficile codificare molte delle figure ricorrenti nelle rappresentazioni dell'arte di quest'area, tuttavia esistono dei registri estetici fissati in base ai quali è possibile identificare un soggetto. Molto spesso alcuni animali soprattutto nella rappresentazione plastica delle maschere rituali e nelle pitture facciali vengono rappresentati con delle caratteristiche antropomorfe, il falco ad esempio viene identificato come tale attraverso il suo tipico elemento distintivo, il becco ricurvo che a volte sormonta un'arcata dentale tipica dei mammiferi (fig 3, fig 4), lo stesso avviene per il caso dell'aquila sebbene la curvatura del becco sia meno accentuata verso il mento.

maschera tligit 4. pittura facciale haida

Molte delle caratteristiche simboliche e formali come nel caso del falco e dell'aquila con cui vengono rappresentati i soggetti araldici sono comuni a molte delle etnie della costa Nord Pacifica. A questo proposito è importante il lavoro di codificazione svolto da Boas e la successiva descrizione catalografica dei pali totemici realizzata da Barbeau.

Secondo questi studi sul campo molte delle insegne araldiche e dei personaggi mitologici presenti nell'arte pittorica, bidimensionale e scultorea sarebbero identificabili in base alle seguenti caratteristiche fisiognomiche:

1. il falco : grande becco ricurvo che tocca il mento.

2. l'aquila: un grande becco ricurvo che punta verso il basso (spesso la rappresentazione del thunderbird è analoga)

3. il castoro: due grossi incisivi, una coda squamosa, un naso grande e tondo, e spesso accompagnato da un ramo fra le zampe.

4. lo scorfano: una pinna dorsale accentuata e due spine sopra la bocca

5. L'orca: una caratteristica grossa pinna dorsale, uno sfiatatoio, occhi tondi, una bocca dentata.

6. Lo squalo: una grossa bocca dentata ricurva verso il basso, linee curve sulle guance che rappresentano le branchie, occhi rotondi.

7. La lumaca: un lungo muso cilindrico con una curvatura improvvisa perso il basso.

8. L'orso: grandi zampe, bocca dentata con lingua di fuori e naso grande e tondo anche se nell'analisi di Barbeau sono presenti raffigurazioni della Bear Mother, in alcuni casi diverse dalla raffigurazione maschile.

9. La libellula: testa accentuata e esile corpo sormontato da ali.

10.La rana: bocca ampia e priva di denti, naso piatto.

11.Il lupo: bocca dentata e naso all'insù.

Più complesso risulta il riconoscimento di figure mitologiche ibride come alcuni mostri marini o abitanti del mondo ipogeo come il Wasgo, il Ts'um'os, lo Snag ,ecc in cui sono presenti e combinati diversi elementi delle figure totemiche zoomorfe..

Come anticipato precedentemente questa arte nativa esula dal desiderio di una rappresentazione realistica, la prima necessità estetica è quella di una costante celebrazione iconografico-araldica che tende a manifestare la leadership ed il prestigio nobiliare del lignaggio al quale appartiene il singolo artista. Partendo da questo assunto è chiaro evincere che ogni oggetto della vita quotidiana è investito da questo desiderio di rappresentazione celebrativa. L'arte di questi distretti è caratterizzata da un senso di horror vacui per cui le superfici devono essere densamente decorate per suscitare un senso di pathos agli occhi dell'osservatore.

La rappresentazione dei soggetti dunque diventa funzionale in base agli oggetti in cui essi devono essere rappresentati, in alcuni casi le silhuettes mantengono una forma relativamente realistica, in altri casi, invece i personaggi vengono letteralmente sezionati e scomposti per rispondere alle necessità spaziali e decorative di un singolo oggetto. Boas riporta numerosi esempi in cui descrive queste scomposizioni come dei veri e propri tagli chirurgici in cui il soggetto viene diviso in due sezioni sul verso o sul recto in modo da risultare un soggetto praticamente sdoppiato, un caso, questo che risulta assai frequente nella decorazione di bracciali, cappelli o pannelli di differenti dimensioni . In altri casi viene applicata una ulteriore scomposizione in cui viene abbandonato ogni intento di raffigurazione realistica e rimangono identificabili solo i singoli dettagli anatomici del soggetto che viene riassemblato secondo un ordine puramente astratto. Queste tre modalità di ordinare le immagini sono state successivamente classificate da Holm e rispettivamente rinominate come : il disegno configurato (fig 5), il disegno espanso (fig 6) ed il disegno distributivo (fig7).

Gli studiosi trovandosi a classificare insieme agli artisti nativi alcune di queste opere hanno potuto constatare che in taluni casi solo gli autori dell'opera stessa sono in grado di interpretare alcune rappresentazioni di carattere distributivo. Ne sono la testimonianza alcune osservazioni di Swanton che nel testo “The Haida” descrive la diatriba di due scultori riguardo l'interpretazione di un pilastro di una casa Haida, analoghe complicanze si riscontrano nel 1897 nella codificazione da parte di Boas ed Edenshaw di alcuni bastoncini da gioco, durante questa osservazione l'antropologo risulta assai perplesso riguardo la traduzione simbolica fornitagli dall'artista; anche rileggendo “The Chilkat Blanket” di G.T. Emmons emerge un grossissimo sforzo da parte dell'autore nel riuscire a tradurre le decorazioni realizzate sulle coperte.

Formlines e colore

Come anticipato nel paragrafo precedente è possibile interpretare la produzione della costa Nord Pacifica come un'arte volta all'essenzialità dei tratti distintivi di un soggetto, citando Adam (1936) potremmo dire che <<>>.

Le caratteristiche principali di queste stilizzazioni risiedono soprattutto nel ricorso costante di alcuni elementi grafici come i classici ovoidi chiamati precedentemente ad Boas “disegni ad occhio”. Gli ovoidi sono caratterizzati dalle convessità lungo le estremità laterali e quella superiore, mentre risultano più o meno concavi nell'estremità inferiore. Generalmente un ovoide rappresenta un punto di congiunzione, spesso è identificabile come un'articolazione anche se in numerosi casi rappresenta anche la parte superiore di un arto. Gli ovoidi spesso assumono anche un ruolo meramente decorativo all'interno di una composizione, mentre in altri casi assumono un ruolo decisivo nel riconoscimento di un dato soggetto. E' interessante osservare come secondo Boas sia diffuso l'uso di un singolo ovoide per la raffigurazione dell'articolazione delle code degli uccelli (fig 8, 9, 10), mentre nel caso dei mammiferi marini le code vengono generalmente rappresentate con un doppio ovoide (fig 11, 12)

Tale analisi può essere adottata anche per i tipici elementi ad U che nelle loro funzionalità decorative ricorrenti, spesso vengono usati per porre un'ulteriore carattere distintivo fra le penne degli uccelli e le pinne dei mammiferi marini.

Elementi estetici molto importanti che attribuiscono i caratteri distintivi dei personaggi araldici sono le stilizzazioni degli occhi, delle sopracciglia, degli artigli e delle mani.

In base a questi elementi vengono organizzate soluzioni grafiche che nell'arte bidimensionale come nella scultura sono caratterizzate da un dominante uso bicromatico dei colori nero e rosso, generalmente le unità decorative principali vengono realizzate con il colore nero, mentre gli elementi secondari come braccia, mani, guance, lingue e piedi, vengono dipinti con il rosso. Nonostante la colonizzazione che in alcuni casi ha interferito con la produzione artistica nativa, i registri cromatici sono rimasti inalterati basandosi su questa predominanza bicromatica, talvolta accompagnata dai colori verde o azzurro utilizzati per la rappresentazione degli elementi terziari. Queste osservazioni riguardanti il colore hanno una loro importanza in ambito tradizionale, ovviamente molti degli artisti neotradizionalisti utilizzando le tecniche più disparate e contemporanee nelle loro rappresentazioni fanno riferimento ad una gamma di colori molto più ampia.

Media tradizionali e contaminazioni postcoloniali

Come abbiamo potuto constatare attraverso assunti enunciati precedentemente, l'arte della costa Nord Pacifica avendo una forte connotazione di carattere sociale e religioso investe ogni campo della produzione materiale nativa. Le tecniche e i materiali di realizzazione sono tra i più disparati, senza dubbio la decorazione bidimensionale e la scultura rivestono un ruolo determinante poiché sono ampiamente utilizzate per dei fini araldici e celebrativi.

Uno degli elementi tipici con cui queste etine Nord Ovest vengono identificate è senza dubbio il palo totemico chiamato in lingua Haida gyaa.aang “uomo ritto in piedi”, che dalla cultura cinematografica e letteraria occidentale è stato erroneamente identificato come un tratto distintivo comune a tutte le società native nordamericane.

Il grossi impianti lignei realizzati dai numerosi clan sono l'esternazione dell'ossessivo desiderio celebrativo di attribuire prestigio e nobiltà al lignaggio di appartenenza, gli emblemi rappresentati su queste sculture rappresentano gli antichi antenati totemici ai quali sono legati i diversi gruppi sociali. La rappresentazione di questi elementi deve essere fedele ad un registro simbolico universalmente riconosciuto dal clan, un corpus di soluzioni grafiche che lo scultore apprende durante il tempo presso artisti più esperti. La credibilità di un autore in questo ambito si espleta attraverso la capacità di unire ad un corretto uso del linguaggio allegorico delle armoniche soluzioni estetiche, è infatti evidente che le opere dei diversi scultori sono in alcuni casi sono distinguibili in relazione alle personali connotazioni stilistiche.

Barbeau analizzando numerosi degli impianti totemici del Nord Ovest ha potuto constatare che in passato presso gruppi sociali come ad esempio alcuni insediamenti dell'area Skeena non era insolito ingaggiare per committenza artisti provenienti da gruppi etnici contigui che erano riconosciuti per la loro comprovata abilità scultorea.

Riguardo le finalità dei pali totemici occorre fare una netta distinzione in differenti tiplogie, quelli pubblici erano i pali commemorativi, i pali funerari e gli story poles, mentre le singole abitazioni erano caratterizzate da pilastri che rappresentavano gli elementi araldici dei possessori. La realizzazione di un'opera lignea di questo tipo richiedeva lunghe tempistiche, innanzi tutto lo scultore insieme ad alcuni aiutanti doveva selezionare un alto albero di cedro giallo o rosso, successivamente veniva tagliato e trasportato dove l'artista potesse lavorare indisturbato fino alla conclusione della scultura, in seguito veniva accumulata una sufficiente quantità di viveri per celebrare la cerimonia di erezione pubblica.

Durante questa cerimonia veniva scavata una buca di sei piedi di profondità con una rampa di discesa laterale in cui veniva adagiata la base del totem, lentamente attraverso l'utilizzo di tiranti realizzati con corde di corteccia di cedro, e con lunghe aste di legno il totem veniva eretto e la buca veniva ricoperta di terra.

A causa della deperibilità del legno di cedro risulta impossibile stabilire in quale momento storico i nativi di quest'area avessero iniziato a produrre impianti di queste dimensioni, Barbeau osservando con attenzione i diversi siti totemici ha potuto constatare che nelle aree interne queste opere potevano resistere anche 100 anni, ma lungo le coste dove l'erosione era maggiore in legno si deteriorava in meno di 60 anni, e va inoltre considerato che probabilmente opere più antiche erano state depredate con un mero fine suoveniristico da parte dei coloni.

Risulta assai difficile dunque stabilire una precisa datazione riguardo l'usanza di erigere pali totemici, Barbeau sostiene che l'impianto più antico della costa Nord Pacifica fosse quello di Gitsegyukla databile intorno al 1782, secondo lo studioso la prima testimonianza documentata di palo totemico sarebbe un'illustrazione del Barlett's Journal del 1790, a questo proposito avanza delle teorie secondo cui questa tradizione fosse relativamente recente poiché i nativi avrebbero avuto la capacità di realizzare opere di questa imponenza soltanto grazie all'apporto tecnologico ottenuto tramite l'interazione con i coloni che in cambio di pelli fornivano asce, accette, sgorbie e scalpelli più efficienti rispetto agli utensili prodotti artigianalmente in questi ditretti. Senza dubbio va considerato che intorno alla fine dell'800 l'arte totemica conobbe il suo periodo di massimo sviluppo con autori come Haesem-hliyawn, ma l'ipotesi di Barbeau è stata ormai superata

Artisti

Corinne Hunt

Esaminando la produzione femminile dell'arte della costa Nord Pacifica è interessante osservare che ambiti un tempo preclusi all'espressione artistica maschile sono al giorno d'oggi approfonditi ed accessibili anche al genere femminile, uno di questi esempi è senza dubbio Corinne Hunt nata nel 1959 ed appartenente al clan del corvo Gwa'wina dei Kwakiutl dell'sola di Vancouver e nipote di una di una donna di alto lignaggio Tlingitè stata influenzata dallo stretto legame familiare intercorso con artisti come Henry, Richard e Tony Hunt, ma soprattutto con lo zio materno e mentore Norman Brotchie. Dopo aver compiuto studi antropologici presso la Simon Fraser University dal 1985 si dedica completamente all'incisione e all'arte orafa tipica della tradizione Kwakwaka'wakw.

Corinne utilizza magistralmente il linguaggio simbolico tradizionale attraverso l'oreficeria, e contemporaneamente si cimenta in opere precedentemente interdette al genere femminile come la scultura totemica risultando estremamente moderna nello sperimentare inusuali campi di applicazione attraverso l'utilizzo di nuovi media come l'alluminio l'acciaio ed il vetro. In opere come “Raven Gets Mod Totem” è evidente questo sincretismo fra materiali utilizzati tradizionalmente, come il cedro, accostati a materiali moderni quali l'alluminio satinato ed il ferro; nasce in questa ottica un'opera ibrida originante da un simbolismo tradizionale unita ad un senso estetico minimalista ed essenziale, assai distante dal concetto nativo contraddistinto da uno spiccato horror vacui.

Analoghe osservazioni possono essere avanzate per quanto riguarda la produzione di elementi d'arredo quali “History Repeats Raven”, una panca realizzata con assi di abete riciclato e acciaio; “Whale Eagles Tail Coffee Table” un tavolo composto da una base di alluminio ed un piano in vetro.

Attualmente l'artista collabora con il “Museum of Civilizzation's First Nations” ed è attivamente impegnata nella promozione dell'arte nativa attraverso le iniziative del First Nations, ed ha recentemente partecipato ad un progetto di sviluppo del Governo del Canada per favorire l'impiego delle donne native.

Susan Point

Susan Point è senza dubbio una delle massime esponenti dell'arte nativa contemporanea, con un'esperienza analoga a quella di Corinne Hunt ha sviluppato il suo lavoro attraverso campi di applicazione atipici per il genere femminile.

Questa artista Salish nata ad Alert Bay nel 1952 inizia la sua carriera nel 1981 con una produzione prettamente orafa realizzando bracciali, orecchini ed anelli. Con il desiderio di promuovere l'arte del suo gruppo etnico d'origine approfondisce alcuni elementi di arte etnografica insieme allo zio Mikael Kew antropologo presso l'università della British Columbia. Durante questo primo periodo formativo, l'artista è fortemente influenzata dalle forme circolari dei tradizionali dischi di cedro intagliati che venivano utilizzati ( Spindle Whorl) per la filatura della lana, e realizza le sue prime opere con tecniche occidentali contemporanee come la serigrafia e la pittura acrilica. Unendo a queste tecniche moderne lo studio delle immagini simboliche riportate sui Spindle Whorl realizza la sua prima celebre opera intitolata “Salmon” in cui emergono chiaramente i registri stilistici dell'arte nativa dove sono rappresentati quattro salmoni che si susseguono in un armonico disegno circolare.

Nel 1983 in un momento sperimentale in cui si cimenta in soluzioni grafiche assai distanti dalle connotazioni tradizionali viene duramente criticata dagli specialisti di questo settore, critiche che tuttavia non demolirono l'istinto creativo dell'artista che fu al contrario stimolata nell'esplorare nuove tecniche come la litografia e l'acquaforte.

Durante questa prima fase e in periodi successivi le opere bidimensionali dell'artista sono investite da una pulsione cromatica tipicamente occidentale che esula dalle regole classiche dell'arte nativa in cui predominano il colore nero, il rosso ed il verde.

Lo stesso spirito innovativo presente nell'arte bidimensionale emerge nelle opere tridimensionali dal 1990 dove accosta ai materiali tipici come il legno di cedro, media innovativi come il vetro, il calcestruzzo, l'acciaio inossidabile, la ghisa, e il bronzo. L'utilizzo di questi materiali per la realizzazione di opere di dimensioni considerevoli le ha permesso di partecipare a grosse commissioni pubbliche quali: Fligt, Tree Grates, Four Corners, Spawning Salmons e Sea to sky, opera realizzata nel 1993 in occasione del programma “Arts in Public Places”, installata nell'entrata del parcheggio nord del Natural Resource Building, composta da cinque pannelli di vetro e acciaio inossidabile.

Nel 2008 l'artista ha dato vita ad una delle opere più rappresentative della sua intera produzione cimentandosi nella realizzazione di People Amongst The People, i portali di ingresso di Stanley Park, commissionati dal Vancouver Public Art Committee, dal Vancouver Parks Board and Storyscapes e dal City's Aboriginal Story Telling Project. Quest'area ha un forte valore storico per i Salish poiché la costruzione del parco nel 1880 causò la distruzione degli insediamenti di Chaythoos e di Xwayxway, il ruolo di “benvenuto” che assume questa installazione è caratterizzato da una riflessiva e malinconica presa di coscienza da parte dell'artista verso problematiche di carattere sociale legate alla triste condizione dei nativi durante la colonizzazione. People Amongst The People è un'installazione composta da tre portali realizzati in legno di cedro e successivamente dipinti, gli elementi rappresentati sono figure maschili e femminili di benvenuto accompagnate da danzatori in maschera ed elementi decorativi riconducibili all'orca; numerosi dettagli grafici apportati dall'artista provengono in questo caso dalla tradizione tessile e dell'intreccio tipica dell'arte femminile, ne risulta un intento commemorativo nei confronti della struttura sociale matrilieare Salish.

Attualmente Susan Point è una delle più accreditate artiste provenienti dalla British Columbia, le sue opere scultoree e grafiche sono esposte in molte gallerie del Nord America fra cui lo Smithsonian Institute di Washington.

Bibliografia

Barbeau, H. 1990. Totem poles according to crest and topics. Ottawa.

Boas, F. 1999. Arte primitiva. Forme, simboli,stili, tecniche. Torino, Boringhieri.

Malraux, A. 1967. Museum Without Walls. New York, Doumbleday.

Tiberini, E.S. 1999. Senza Riserve. Etnologia del Nord America. Roma, Bulzioni.

Tiberini, E.S. 2003. La vita nelle mani. Arte e società in Haida Gwaii. Rom

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mercoledì 20 gennaio 2010

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